Riggan Thomson (Michael Keaton) está dirigiendo y protagonizando una obra de teatro que espera lo lleve de vuelta a sentir el reconocimiento del público. Hace veinte años este actor protagonizó “Birdman” una trilogía cinematográfica sobre un super héroe que tuvo mucho suceso en Estados Unidos y desde ese entonces no ha vuelto a ser parte de algún proyecto que lo iguale.
¿Tienes miedo de que la gente diga que haces esta obra para luchar con la impresión de que eres un personaje de historietas acabado?
A lo largo de este filme, dirigido por Alejandro González Iñárritu, podemos ver como Riggan ensaya su obra de teatro; poco a poco vamos percibiendo que la vida de este actor tiene mucho que ver con su personaje, es una obra muy personal, que con el pasar de la película va evidenciando la proximidad que existe entre actor-personaje.
El director de fotografía Emmanuel Lubezki tiene un rol fundamental dentro de este largometraje. Cada sucesión de acontecimientos es retratada por medio de planos secuencias, una escena y muchas veces dos o tres, son resueltas en solo un plano. La cámara se desenvuelve entre los personajes siguiendo a quien tiene el habla o a quien tiene una reacción importante, en este sentido el foco desarrolla un papel importantísimo, ya que la profundidad de campo en esta película es bastante pequeña, la cámara y el foco nos centran la atención en el personaje que es más importante y el espectador dirige su vista hacia él. El baile del steadycam combinado un una ensayada planta de actuación es lo que permite que esta película tenga un ritmo acorde con el relato. Hay muchos casos en los que Lubezki y González simplemente deciden quebrar la estructura temporal lineal de esta película, un gran ejemplo de esto es la escena en la que Sam y Mike se están besando en un segundo piso, la cámara saca a estos personajes de cuadro y en un cenital nos muestra el escenario del teatro, ahí lentamente comienza a bajar hasta llegar a un plano conjunto de los actores y vemos que Sam se encuentra actuando. Es un ejemplo de una de las licencias que se toma el director para conformar el relato de la historia y que realmente funciona, lejos de incomodar al espectador propone una puesta en escena bastante atrayente.
Todo el filme transcurre en el teatro y sus dependencias, el cuarto de Riggan se encuentra en el mismo edificio, el bar al que va está a menos de una cuadra, la calle por la que se pasea desnudo antes de entrar en su último ensayo es la que rodea al teatro. Todo el ambiente en el cual se desarrolla la película es el mismo y por medio de largos planos secuencias el espectador consigue ubicarse en el espacio, a pesar de que muchas veces se nos confunde al llevarnos por un pasillo y de pronto encontrarnos con el escenario y con una actriz actuando, ya con público. Estos saltos espacio-temporales, más que confundir impresionan, es algo no muy visto en el cine hollywoodense y le otorga a la película un relato original.
Otro aspecto importante e innovador en el lenguaje cinematográfico de este filme es el movimiento de la cámara, en muchas ocasiones la cámara pasa de ser un plano general a una subjetiva, en otras oportunidades se rompe el eje de la acción, comienza en un lugar y de pronto esta en otro, como es el caso cuando Riggan y Mike están caminando hacia el bar; la cámara va frente a ellos, hacen una pausa para mirar a un músico que está sentado en la vereda, la cámara los pierde de cuadro, luego voltea para encontrarlos y vemos su espaldas. La lógica indica que la cámara se comporte de acuerdo a los reglamentos básicos cinematográficos y que nos reencontremos con los personajes nuevamente de frente, sin embargo se hace todo lo contrario, asusta pero no molesta.
Parte del look de la película es dado por el encuadre, al vernos enfrentados a muchas secuencias que comienzan con planos conjunto y terminan en primeros planos podemos ver los efectos de los lentes gran angulares en los rostros de los actores, cuando existe un dialogo entre dos personajes en una situación muy tensa (gran parte de la película) podemos ver que la cámara se acerca mucho a los actores, tanto así que permite desde un ángulo contrapicado deformar los rostros y ponerlos en una situación de grandeza, lo que acentúa las expresiones faciales de los personajes acercando de cierta manera la obra cinematográfica a la teatral.
Cuando Riggan está a solas escucha a su alter ego que le recuerda en todo momento quién es él; un gran actor, una estrella de cine, un personaje al que todos aman y respetan. La manera en la que el espectador puede entrar en la mente del protagonista es escuchando esta voz y viendo los “poderes sobrenaturales” de Riggan. Desde el comienzo del filme podemos ver como él está levitando y moviendo objetos con la mente, la verdad es que es una licencia cinematográfica para entrar en la mente del actor y entender el por qué de sus reacciones, él quiere hacer muchas cosas, quiere actuar de cierta manera y especialmente cuando es violento es que se nos presenta de este modo “sobrenatural”.
Para terminar me gustaría hacer una mención a un trabajo que no es muy reconocido pero si muy difícil de trabajar dentro de una película, me refiero a la labor desempeñada por el primer asistente de cámara o foquista. Creo que esta película representó un reto altísimo para Gregor Tavenner, quien desempeñó este papel. Pocas veces he asistido en el cine un filme con una dificultad tan grande para efectuar el trabajo de foquista, esto dado por la cantidad de planos secuencia, la baja profundidad de campo y las cortas distancias que en variada ocasiones se encontraba la cámara de los actores. Tavenner es un profesional con una larga trayectoria y debido a su gran experiencia desempeñó un papel importantísimo dentro de esta trama. Una gran película, una gran fotografía.